光と影の都市幻想——佃 弘樹が描く“別世界”の境界

佃 弘樹は、都市が崩れ、巨大な建造物と自然が同じ画面に押し寄せるような“未来の別世界”を描く現代アーティストだ。手描きのスケッチや写真を組み合わせ、色・空間・解像度を組み替えるコラージュ制作を核に、ドローイングやインスタレーションへ拡張している。

1978年生まれ、香川県出身。武蔵野美術大学のイメージング領域を2001年に卒業し、2005年頃にフリーランスのグラフィック制作から本格的に作家活動へ踏み出した。東京のNANZUKAに参加し、国際的な会場やコレクションでも存在感を高めてきた。

佃 弘樹は“都市の終わり”をどう描くのか

佃 弘樹の作品は、派手な未来予告でも、単なる黙示録の絵でもない。見ていると、どこかで聞いたはずのSFの記憶が、現実の手触りを伴ったまま静かにずれていく感覚がある。巨大な構築物が立ち上がり、その足元で植物や自然の圧が強まる。都市は壊れているのに、世界は“更新”されているように見える。

この矛盾が、彼の絵の推進力になっている。スペキュラティブ（思弁的）な未来の都市景観を土台にしつつ、自然環境が入り込む瞬間を執拗に切り取る。そこには、科技（テクノロジー）の冷たさと、生の熱や時間の流れが同居する。

背景にあるのは、現代の延長線としての“別世界”だ。都市開発が加速するほど、インフラや建築は巨大化し、同時に脆さも露呈する。佃は、その脆さを「崩壊」では終わらせない。崩れた後の形を、あえて美術の言語で提示する。

香川から東京へ：武蔵野美大卒業後の転機（2001〜2005頃）

佃 弘樹は1978年、香川県で生まれた。武蔵野美術大学の「イメージング・アーツ＆サイエンス」領域で学び、2001年に卒業している。学問名にある“イメージング”が示すとおり、彼の関心は最初から「見えるもの」の組み立てに向いていた。

卒業後は、フリーランスのグラフィックデザイナーとして働いていた。ここが重要だ。作家の手癖として語られがちなコラージュも、実務の視点で“情報の編集”として鍛えられていった気配がある。

そして2005年頃、彼は制作を仕事から職能へ切り替え、フルタイムの現代アーティストとしての道を本格化させる。転機の背景には、単に表現の志望だけでなく、グラフィック制作で培った編集能力が、そのまま新しい美術の文法になったことがある。

東京での活動は、その後の制作の密度を押し上げた。特に、NANZUKAのようなギャラリーとの接点が、彼の作品を国内外の文脈へ通す回路になっていく。

NANZUKAとの歩幅：展示で“世界観”が具体化した年

佃 弘樹のキャリアを追うと、単発の話題で終わらず、世界観が段階的に具体化していくのが分かる。2014年の「Black Out Thunder Storm」から始まり、2016年にはペッツル（Petzel, New York）で「Enter the O」が開かれる。日本の作家が海外の主要ギャラリーの文脈に入り込んだことは、作品の言語が国境を超えた証拠でもある。

2017年には、ドイツ・アーレン（Aachen）のニュー・アーヘナー芸術協会（Neuer Aachener Kunstverein）で「HOUR OF EXCAVATION」が行われた。掘削や時間の作用を連想させるタイトルは、彼の作品が「風景」ではなく「プロセス」を含むことを示している。

2018年の「199X」（NANZUKA, Tokyo）は、時代番号のような響きが強い。過去の記憶を未来の衣装で着替える感覚があり、佃のコラージュ的編集—過去と現代を同居させるやり方—がより前面に出ているように見える。

2019年の「Monolog in the Doom」は、群馬の近代美術館（The Museum of Modern Art, Gunma）での開催。ここで“終末”という言葉が前に出る一方、作品は嘆きよりも観測に近い。語り（monolog）を含むことで、崩壊のイメージが物語として消費されず、観察の対象として固定される。

コラージュは“完成”ではなく、変換装置だ

佃 弘樹の制作は、コラージュが始まりであり、終わりでもない。中心にあるのは、手描きのスケッチとスナップ写真を組み合わせる方法だ。紙の上で作った手触りの情報が、デジタルの組み立てへ移される。そのとき、単に貼り付けるのではなく、色のトーン、空間の関係、解像度まで編集していく。

この編集工程が彼の作品の“時間差”を生む。現実の切片が、未来の視点で再配置される。しかも、その再配置は美しいだけではない。見慣れたはずの建造物や自然が、なぜか同時に成立してしまう。違和感が、視覚の中で納得へ変わる瞬間がある。

やがて合成されたイメージは固定された一枚絵として終わらず、そこからドローイングや三次元のインスタレーションへ展開される。つまりコラージュは、素材を“変換”する装置として働く。絵画、写真、立体の間に境界を作らないための技術だ。

この点は、彼の作品が提示するテーマ—もう一つの世界、都市崩壊、テクノロジーと自然の対置—と一致する。境界が崩れるのは、都市の中だけではない。制作のプロセス自体が、その思想を支えている。

触れる“未来”：インスタレーションで自然と工業が並ぶ

佃 弘樹の立体作品では、工業的な素材や植生、見つけた物（found objects）が組み込まれることがある。ここで重要なのは、自然が単なる装飾ではない点だ。彼の展示では、自然のモチーフがドローイングで描かれた世界の延長として現れる。平面に閉じ込められていた“あり得たかもしれない風景”が、観客の足元に来る。

そのため、鑑賞者は「見て終わり」にならない。空間の密度、素材の重さ、光の当たり方まで含めて、作品の中で時間が動く。想像上の建造物が、実在の物質として立ち上がるとき、境界は曖昧になる。

彼は、想像と現実を切り分けないことにこだわる。ドローイングで“別世界”を定着させ、インスタレーションでそれを現実の体験へ引き寄せる。結果として、作品は鑑賞者の知覚を揺さぶる“現象”に近づいていく。

SF映画とゲーム、建築家の影：影響源は“異なるスケール”

佃 弘樹の制作には、幼少期に受けたSFとの出会いがある。例えば『ブレードランナー』のような映画体験は、巨大構造物や都市の質感への関心を強めた。映像の中の未来は、単なる未来像ではなく、空気や湿度、光の色まで含む“質感”として描かれている。彼の絵にも、その質感への執着がある。

さらにビデオゲームも、彼にとって重要な参照点だ。ゲームは、世界を探索する構造を持つ。探索という行為が、コラージュの“再配置”と相性がいい。見えているものが固定ではなく、視点を変えることで意味が入れ替わる。佃の編集も、その発想に近い。

建築面では、木工細工のような精緻さと巨大さを併せ持つ存在が影響している。たとえば、木下康雄（Kazuo Kinoshita）やルイージ・コラーニ（Luigi Colani）の建築的な発想が、スケール感の捉え方に響いたとされる。巨大であることが、必ずしも冷たい合理ではなく“生命の形”へつながる—そんな見方が可能になる。

国際コレクションと展覧会：言葉が通じる美術へ

佃 弘樹の作品は、複数の国際的な機関にコレクションされている。東京の森美術館（Mori Art Museum, Tokyo）や、ニューヨーク近代美術館（The Museum of Modern Art, New York）などに名前がある。さらに、オーストリアのThyssen-Bornemisza Art Contemporary Foundation（ウィーン）や、ジャン・ピゴジ財団（Jean Pigozzi Foundation, ジュネーブ）とも関連している。

また、海外のギャラリー文脈での継続的な露出も見逃せない。2016年のPetzelでの「Enter the O」に続き、2020年には同じくPetzelで「They Live」が開催される。タイトルの違いは、同じ世界観に“別の角度”を付け足していくようにも感じられる。

2022年には、NANZUKA Underground, Tokyoで「The Darkest Hour」が行われた。暗い時間帯という表現は、単なる陰鬱ではなく、光が変化する転換点を示すようにも読める。佃の作品が得意とするのは、光の当たり方や情報量の差で、感情を増幅させるやり方だ。

佃 弘樹を見るときの“近道”：テーマと制作の接続点

佃 弘樹を理解する鍵は、作品のテーマを“抽象的な思想”としてだけ扱わないことにある。もう一つの世界、都市崩壊、テクノロジーと自然の対置。その言葉は、彼の制作工程の中で具体化する。

手描きスケッチと写真の合成。色や空間関係の再編集。解像度の調整。合成イメージの固定から、ドローイングや立体へ展開する流れ。これらはすべて、境界を曖昧にするための手段だ。つまり、作品の“世界観”は、単に描かれているだけではない。作り方そのものに埋め込まれている。

結果として、彼の未来都市は、遠い場所の話ではなくなる。現実の都市が抱える圧—資源、技術、環境—が、別の形で可視化される。だからこそ、観る側の記憶や不安も作品の中で働き始める。

佃 弘樹の強さは、恐怖を煽るより先に、観察の姿勢を持ち込む点にある。崩れているのに“整っている”ように見える。自然が侵食しているのに“勝利”の宣言ではない。そうした曖昧さが、作品に長く残る。

Frequently Asked Questions

佃 弘樹（Hiroki Tsukuda）の主な制作方法は？

手描きのスケッチとスナップ写真を組み合わせるコラージュが中心です。色・空間関係・解像度を再編集し、そこからドローイングやインスタレーションへ展開します。

どのようなテーマが多いですか？

「もう一つの世界」「都市崩壊」「テクノロジーと自然の対置」といったモチーフが繰り返し登場します。巨大な構築物と自然が同時に成立するような場面が特徴です。

代表的な展覧会は？

例として、群馬の「Monolog in the Doom」（2019）、NANZUKAでの「199X」（2018）、ペッツルでの「Enter the O」（2016）や「They Live」（2020）などが挙げられます。